В пятницу, 23 августа, мэр Москвы Сергей Собянин открыл 12-й фестиваль военных оркестров «Спасская башня» и поприветствовал его участников.
«Как обычно, фестиваль проходит рядом с празднованием дня города, в этом году он его предваряет. Фестиваль «Спасская башня» объявляется открытым!» — цитирует мэра «РИА Новости».
Собянин выразил благодарность военным оркестрам «за праздник, который дарят москвичам».
«Вы не ограничиваетесь выступлениями на Красной площади, вы идёте к москвичам — идёте в парки, скверы, на Поклонную гору, на ВДНХ. В нем так или иначе участвуют и детские коллективы, будет участвовать коллектив проекта «Московское долголетие», — сказал мэр.
Он также посчитал символичным, что в этом году фестиваль совпал с празднованием 350-летия российского флага.
В этом году на фестиваль «Спасская башня» приехало рекордное число участников, среди которых более тысячи зарубежных музыкантов из Китая, Италии, Японии, Турции, Норвегии и других стран. Всего на Красной площади выступят 30 военных оркестров из 12 стран мира.
Напомним, что «Спасская башня» проходит в Москве ежегодно. В его программе военная, классическая, народная и эстрадная музыка, парадные дефиле военных оркестров и танцевальные шоу. В этом году фестиваль завершится 1 сентября.
24 августа открывается российская программа девятой Театральной олимпиады в Японии. Первым из показанных спектаклей стал «Сегодня. 2016», поставленный Александринским театром. «Сегодня. 2016» идет на Новой сцене Александринки, а зрителям в Японии покажут авторскую редакцию Валерия Фокина. Ее создали специально для показа на открытом воздухе.
Еще один спектакль, который покажут в Японии, — сценическая версия поэмы А. Блока «Двенадцать», режиссером которой является Антон Оконешников.
Сама олимпиада проходит в Тоге (префектура Тойама). Там также пройдет концерт тувинского ансамбля горлового пения «Алаш», который будет посвящен памяти музыканта и народного хоомейжи Республики Тыва Конгар-Оола Ондара (1962 — 2013).
Напомним, что Театральная олимпиада — это международный культурный форум, которому в этом году исполнилось 25 лет и который впервые проводится в России и Японии одновременно. Девиз фестиваля — «Творить, объединяя». Свои постановки на Олимпиаде покажут такие режиссеры, как Роберт Уилсон, Теодорос Терзопулос, Ярослав Фрет и другие.
28 августа в Театре им.М.А.Булгакова на Садовой состоится первый в новом сезоне спектакль «Мастер и Маргарита». Самый мистический спектакль Театра Булгакова поставлен на сцене того самого дома, где был задуман знаменитый роман.
В фойе музея-театра вас встретит смотритель в казачьей форме, а в первом музейном зале – руководитель научно-методического отдела, экскурсовод Ирина Горпенко-Мягкова, рассказ которой о Мастере необходимо услышать всем, кто любит писателя. Во времена Булгакова в этом помещении по Большой Садовой, 10 располагалась жилконтора, в которой Михаил Афанасьевич провел немало времени, добиваясь прописки, и председателя которой вывел в «Мастере и Маргарите» как Никанора Ивановича Босого. За три года жизни в «нехорошей квартире» была написана повесть «Дьяволиада», фельетоны для газет «Накануне» и «Гудок», а также важнейшее творение Булгакова – роман «Белая гвардия». Несколько лет спустя, события, происходившие в этом доме, появились в первых набросках романа века «Мастер и Маргарита».
Ирина Яковлевна, почему так не любите, когда вас спрашивают, кого из жен Булгакова считать прототипом Маргариты?
Потому что Булгаков – человек коллажной культуры: театра, игры, мистификаций. Он погружает нас в мир ассоциаций. К примеру, «подвал Мастера» у него будет в разных домах, и бал Сатаны проходит не только в «Нехорошей квартире», но и на Пречистенке. Да, Татьяна Лаппа, первая жена Булгакова, войдет в роман «Мастер и Маргарита», она будет Фрида на балу Сатаны, женщина самопожертвования. А что вы хотите? Она та, у которой никогда не будет детей, в этом есть и её вина…
Булгаков называл Татьяну «единственным верным другом», чувствовал собственную вину перед ней, звал её будучи на смертном одре…Татьяна Николаевна сохранит в памяти многое — образ Киева и семьи Булгаковых (четыре сестры и три брата!), дореволюционного Саратова, семьи своего отца, сподвижника Столыпина. Сохранит память о Первой мировой войне, о Булгакове-враче, который «хотел спасти всех», но помешал случай с медицинской ошибкой. Она была с ним во Владикавказе, и, конечно, в родном ему Киеве. Она была рядом в голодной Москве начала 20-х, когда Булгаков писал «Белую гвардию», но посвятит он роман не Тасе (домашнее имя Татьяны. – Ред.), а Любови Евгеньевне Белозерской, с которой встретился в 1923 году.
Женщина-экзотик, выпускница Демидовской гимназии и балетной школы в Петербурге. Женщина успеха, «сладкая, сочная баба», она тоже войдет в роман, и будет «эротик Маргарита». Полеты Маргариты — это её стихия. Но и Софья Павловна в Доме Грибоедова, которая сварливо требует удостоверения у Коровьева и Бегемота, это тоже она, бросившая однажды Булгакову фразу: «Кому ты пишешь, кто это будет читать, ты же не Достоевский!..». Жена успеха — это она, и именно она оставит три книги воспоминаний о писателе.
С Еленой Сергеевной Булгаков знакомится в году своей катастрофы — в 1929-ом. После приезда украинских письменников, раскритиковавших «Дни Турбиных», Сталин не защитил его: все пьесы были запрещены. Встреча с Булгаковым решит судьбу Елены Сергеевны, жены генерала, матери двух детей. Их роман с Мастером разворачивался, как в кино: муж тщетно под угрозой пистолета на 18 месяцев запирал ее в доме… Она ушла, но расставание было мирным.
Елена Сергеевна пережила Булгакова на 30 лет и очень многое сделала для того, чтобы был опубликован роман «Мастер и Маргарита» и другие произведения писателя. Замечу, что внук её, бизнесмен Сергей Шиловский, — хранитель творческого наследия Булгакова по закону. В 1993 году он выиграл суд у племянниц писателя Варвары Михайловны Светлаевой и Ирины Леонидовны Карум. К сожалению, фильм Юрия Кары по роману «Мастер и Маргарита» на 17 лет был положен на полку. Вот такая печальная мистика…
Но кого же в реальности встретил Булгаков в тверском переулке с желтыми цветами? Была же такая женщина?
Была. Именно в тот период, когда Елена Сергеевна сидела под домашним арестом, в мае 1931 года Булгаков встречает женщину в черном пальто с желтыми цветами, в которой узнает незнакомку, поразившую его воображение лет десять назад в Батуми. Тогда она была в белом платье и шляпе, в сопровождении двух мужчин. Булгаков догоняет её – «Не могу вас снова потерять» – «Я не знакомлюсь на улице». Тем не менее, они знакомятся и недолго беседуют. Эту встречу Маргарита Петровна Смирнова, жена высокопоставленного чиновника, вспомнит, когда выйдет роман «Мастер и Маргарита». В 13 главе Мастер рассказывает Ивану Бездомному о встрече с красавицей, которая повернула с Тверской в Большой Гнездниковский переулок… Напомним: именно там, в доме Нирнзее два года назад он познакомился с Еленой Сергеевной. Вот как все переплелось у Булгакова. Маргарита Петровна оставила воспоминания о писателе, и именно она подарила свое имя возлюбленной Мастера.
Интересные факты:
Памятники Булгакову есть в Киеве, Владикавказе, Армавире и Вязьме. В Москве, не смотря на обилие макетов, памятника нет, хотя место — на углу Малой Бронной и Большого Патриаршего пруда давно определено. Многофигурная композиция Александра Рукавишникова, которую планировалось установить на Патриарших, под давлением общественности в 2003 году была запрещена. Но фигуры можно увидеть в разных местах Москвы: Мастер и Маргарита в машине с водителем-грачом стоят во дворе мастерской скульптора (Земляной вал, 65), Коровьев с Бегемотом — у «Булгаковского дома». Где находится 5-метровый примус — главный возмутитель спокойствия, неизвестно. Посмотреть на макет памятника Булгакову приходите в музей на Садовой.
***
По воспоминаниям племянницы Булгакова Елены Андреевны Земской, третью жену писателя Елену Сергеевну Шиловскую «совершенно справедливо считают прототипом Маргариты», при этом «близкие Михаила Булгакова лучшей его женой считали «киевскую» — Татьяну Лаппа, которая, несмотря на пережитые обиды, оставила достойные воспоминания о дяде Мише и никогда не говорила о нем плохо».
***
5 декабря 2017 года в музее отметили 125-летие первой жены Булгакова Татьяны Лаппа. Умерла она в апреле 1982 года в Туапсе. Перед смертью о многом поведала булгаковедам и журналистам. Рассказ Татьяны Николаевны записали на пленку, и ее голос впервые прозвучал на вечере ее памяти.
***
В Иерусалиме с 2000 года проводят экскурсии по булгаковскому Ершалаиму.
***
Залежи трамвайных рельс на Патриарших, с помощью сотрудников биолокационной лаборатории, используя специальные приборы, самолично отыскивал (и отыскал!) булгаковед — любитель Борис Мягков. Но никуда не сдал, а просто сфотографировал и закопал. Известно, что энтузиасты ищут до сих пор…
***
Среди фанатов Булгакова — Дэниэл Рэдклифф, известный всем Гарри Поттер. Не раз гулял по «Булгаковскому дому». Снялся в телесериале по «Запискам юного врача». Мечтает сыграть кота Бегемота, а роман «Мастер и Маргарита» считает «самым удивительным признанием в любви и верности».
В рамках акции «Ночь кино» 24 августа и в День российского кино 27 августа в кинотеатре «Иллюзион» пройдут бесплатные киномарафоны, оргинизованные Госфильмофондом.
«24 августа Госфильмофонд России участвует во всероссийской акции «Ночь кино», а 27 августа отмечает День российского кино. В эти даты в недавно отремонтированном и модернизированном кинотеатре «Иллюзион», старейшем кинотеатре Москвы, мы устраиваем 20-часовые бесплатные киномарафоны для всех желающих — с творческими встречами, живой музыкой и видеоперфомансами. Старт сеансам нон-стоп 24 и 27 августа будет дан в 11:30 и 09:30, а финальные титры последнего фильма появятся на экранах только в 6 часов утра следующего дня», — сообщили в пресс-службе организации.
фото: Москва24
Зрители смогут увидеть как картины из архива Госфильмофонда, так и совсем новые фильмы, вышедшие в этом году, среди которых «Бык» Бориса Акопова (2019 год, главный приз 30-го «Кинотавра» и Гран-При в Карловых Варах), «Жанна» Брюно Дюмона (2019 год, «Особый взгляд» Каннского кинофестиваля) и сериал «Мертвое озеро» режиссера Романа Прыгунова. Кроме того, гости марафона смогут ознакомиться с ретроспективами Дзиги Вертова и Сергея Эйзенштейна, первым фильмом, снятым по комиксу, одним из первых кукольных мультфильмов в мире и отечественной фантастикой 20-30-х годов XX века.
«Показы уникальных немых фильмов из архивов Госфильмофонда начала XX века будут идти с музыкальным сопровождением оркестра, струнного квартета, фортепианного дуэта, хора, арфы, флейты и соло-саксофона», — отметили в Госфильмофонде.
Накануне после ремонтно-реставрационных работ в столице состоялось открытие музея-квартиры российского ученого-энергетика Глеба Кржижановского (1872-1959). По словам министра культуры РФ Владимира Мединского, директор музея будет назначен после проведения соответствующего конкурса.
«Мы совместно с музеем объявляем конкурс на замещение вакантной должности директора этого филиала Музея современной истории России, — сообщил министр. — Это должен быть человек энергичный и влюбленный в свою работу».
фото: cultport.ru
Мединский также отметил, что кандидаты могут отправлять своё резюме напрямую в музей, а итоги конкурса будут подведены спустя месяц. Будущий директор музея должен будет собрать хорошую команду лекторов, которые обеспечат музею стабильный поток посетителей.
«Это должны быть пропагандисты своего дела, — заявил глава Минкульта. — Тогда приход сюда на экскурсию будет интересным занятием».
Реставрационные работы включали в себя восстановление внешнего облика дома Кржижановского и воссоздание исторического интерьера его квартиры. Интерьеры площадью 164 кв. м продемонстрируют посетителям мебель, предметы быта, личные вещи, а также архивные документы ученого, создавшего проект эликтрификации страны (ГОЭРЛО). Долгое время 200-летнее здание считалось аварийным, и его даже хотели снести.
«Судьба этого здания печальна, хотя решение о создании мемориальной квартиры было принято еще в 60-е годы, эта квартира была закрыта для посетителей, фактически опечатана, — рассказал Мединский. — После распада Советского Союза здание обветшало и к 2012 году пришло фактически в руинированое состояние. Вокруг этого здания появилось много коммерческих структур, которые хотели его снести и построить здесь что-то, однако благодаря решению Сергея Собянина все муниципальные площади в этом здании были переданы министерству культуры, мы их закрепили за музеем, и с 2015 года здесь велась комплексная реконструкция».
фото: cultport.ru
По словам генерального директора Государственного центрального музея современной истории России Ирины Великановой, музей-квартира Кржижановского после реставрации обзавелся и другими экспозициями.
«Теперь помимо мемориальной квартиры, которая остается сердцем музея, здесь также можно увидеть удивительное собрание редких радиоприемников и телевизоров, которые были созданы в разные годы XX века и хранятся в открытом режиме, а также посетить экспозицию, которая рассказывает об истории одного из самых старинных районов нашего города — Замоскворечья, — уточнила Великанова. — Кроме того, после ремонтно-реставрационных работ, здесь появились пространства для реализации образовательной программы: интерактивный класс, где школьники смогут познакомиться с работой аппарата Морзе, увидеть устройство турбины ГЭС, трансформатора, паровой электростанции и подробнее узнать об истории электрофикации в нашей стране».
22 августа свой День Рождения отмечает отец фоторепортажа – Анри Картье-Брессон. Мастер прожил долгую и насыщенную жизнь, став самой значимой фигурой в уличной фотографии.
Анри родился в 1908 году в пригороде Парижа. Еще будучи ребенком, он проявлял интерес к искусству. По-настоящему судьбоносным для Анри стало знакомство с его дядей в пятилетнем возрасте. Луи Картье-Брессон был художником, буквально открывшим дорогу в мир живописи, юному Анри. После смерти дяди, Картье-Брессон учился в ателье Андре Лота, представителя кубизма, имевшего в то время авторитет среди французских художников.
Поворотным моментом в становлении Анри фотохудожником, стала поездка в Африку. Именно тогда, в 1931 году, Картье-Брессону попала в руки фотокарточка с изображением трех мальчиков, прыгающих в озеро. Позже Анри будет вспоминать, что был поражен динамикой и энергетикой, которую передавало изображение. В тот момент Анри уже точно знал, что хочет быть таким фотографом, который был бы способен запечатлеть живой момент в своих работах.
Анри приобрел первый фотоаппарат, находясь в Африке. К несчастью Картье-Брессона конструкция, состоящая из черной коробки, накидки и штатива, могла лишь фотографировать статичные фигуры. Вскоре она и вовсе пришла в негодность из-за жаркого климата Африки, а сам Анри заболел малярией и вынужден был вернуться во Францию, чтобы лечиться.
Лечение требовало от Картье-Брессона постельного покоя. Как для любой творческой личности, нескончаемое лежание в больнице навевало на Анри смертельную скуку. В этот момент в руки молодого человека попадает фотоаппарат фирмы Leica, который разбавляет бренное времяпрепровождение Анри.
Спустя несколько лет после знакомства с компактным устройством, юноша едет в «самую сюрреалистичную страну» — Мексику, в которой фотографирует публичные дома и ночную жизнь горожан. Проведя в Мексике год, Картье-Брессон представляет свои работы на нью-йоркской выставке. Шанс поучаствовать в ней выпадает Анри «по старой дружбе»: Жюльен Леви, руководитель нью-йоркской галереи, соглашается помочь своему другу, такому же выходцу из французской богемы, как и он сам.
Когда карьера Картье-Брессона в качестве фотографа пошла в гору, Анри решил заняться кинематографом. Отучившись на монтажера, Картье-Брессон успел поработать с Жаном Ренуаром. Вместе они создали пропагандистскую ленту «Жизнь – наша». Позже Анри всё же решает вернуться к фотографии и устраивается штатным фотографом в коммунистическую газету.
Когда в 1939 году газета закрывается, ярости Анри нет предела. Фотограф в порыве гнева сжигает огромное количество собственных снимков и непроявленных негативов. С началом Второй мировой войны, Картье-Брессон становится капралом французского кинофотоподразделения. В ходе войны Анри попадает в плен, в котором проводит 3 месяца. По возвращении в Париж, Анри примыкает к Движению Сопротивления. Он буквально становится фото-корреспондентом, создавая фотохронику жизни внутри оккупации и в ходе отступления нацистских войск. Именно эти снимки Анри после войны выставит в Нью-Йорке в музее современного искусства.
Следующим шагом в карьере Картье-Брессона станет создание агенства «Magnum». Одним из важнейших принципов работы фотографов агентства стал отказ от кадрирования снимков и попытка избегать постановочных кадров.
Позднее Анри Картье-Брессон отправлется в Индию, где успевает запечатлеть момент прощания индийского народа с застреленным Ганди. В 1954 году Анри одним из первых зарубежных фотографов посещает СССР и делает серию фотографий «Люди Москвы», попавших в его книгу «Решающий момент». Эта съемка вызывает общественный резонанс. Сам Анри вспоминает: «Люди высказывали удивление, что их без подготовки, вживую снимает какой-то фотограф-иностранец. Они задавали вопросы, понять их я не мог, произносил единственную фразу, которую мог усвоить: «Товарищ переводчик, сюда». Тогда фотоагенство переживает свои худшие времена, а деньги, вырученные с продажи книги, помогают «Magnum»-у удержаться на плаву.
В 70-ых Картье-Брессон публикует еще одну книгу – «Да здравствует Франция», а затем повторно приезжает в СССР, чтобы уловить и лично заснять те изменения, которым подвергается государство.
К концу собственной жизни Анри отходит от фотосъемки. Ему все чаще нравится писать картины, а фотоаппарат он достает лишь изредка, чтобы сделать снимки жены, дочери или котов.
За 95 лет Картье-Брессон обзавелся рядом принципов, позволившим ему стать основоположником фоторепортажа. Анри любил повторять, что фотограф обязан замечать мелочи, которые предлагает ему сама жизнь. Фотография, считал Картье-Брессон, становится признанием важности происходящего в считанные секунды. Однако запечатлеть этот момент помогает отнюдь не фотоаппарат, а руки, сердце и ум того, кто находится за его затвором.
Андрей Новиков-Ланской – поэт, прозаик, литературовед. Директор Русского ПЕН-центра. Действительный член Королевского общества искусств (Великобритания) рассказал «МТ» о месте классической и современной литературы в нашей жизни, о настоящем и будущем русских писателей.
Аурен Хабичев — Андрей Анатольевич, как вы понимаете фразу «Все счастливые семьи похожи друг на друга, каждая несчастливая семья несчастлива по-своему»? Это, как вы догадались, из «Анны Карениной».
Андрей Новиков:Ланской — Здесь, в общем-то, нечего понимать: Толстому нужно было эффектное начало романа. Я бы не искал тут великой истины, этот афоризм можно перевернуть, и для романа ничего не изменится. Писателям вообще свойственно делать безответственные заявления, ради красного словца. «Красота спасет мир», «В человеке все должно быть прекрасно…», «Никогда не разговаривайте с неизвестными» и т.д. Обычно за этим нет большой идеи, а фраза важна только в конкретном контексте.
А.Х — И все же, можно ли с уверенностью утверждать, что Толстой был гением, Достоевский – лучшим исследователем человеческих душ, Пушкин – душой русской поэзии и так далее?
А.Н-Л — Лев Толстой, несомненно, гений. Кто-то из западных классиков сказал, что если б природа могла писать, она писала бы, как Толстой. Это сущая правда – мне трудно представить такую же мощную и естественную языковую стихию, какая есть у него. Это великий художник и куда менее интересный мыслитель. Достоевский, наоборот, гениальный мыслитель и более скромный художник. Все же в искусстве словесности главное – работа с языком. Образы, идеи, пророчества – все это хорошо, но вторично. Первичен стиль, высвобождение энергий языка. И в этом смысле Достоевский очевидно уступает Толстому, хотя и у него есть невероятные прорывы. Что касается «души русской поэзии», то это, наверное, больше про Есенина. Пушкин – холодный классицист и строгий аристократ, в нем не так много душевности и сентиментальности. Скорее это высокий творческий интеллект русской поэзии.
А.Х — Изменились ли оценки и отношение потомков к великим русским писателям?
А.Н-Л — Я думаю, в большинстве своем россияне верят тому, чему их учили в школе. Литературный канон, каким он сложился к концу XX века, в массовом сознании, похоже, незыблем. Если же говорить о профессиональных читателях, то единых оценок никогда и не было. Даже такие сверхклассики, как Пушкин и Толстой, далеко не всеми признавались и признаются. Общаясь с писателями или филологами, запросто можно услышать: «Пушкин – никто в сравнении с Державиным» или «У нас один великий прозаик – Гоголь, остальные далеко позади». И в этом нет позы или эпатажа, люди действительно так полагают.
А.Х — Недавно где-то читал, что роль многих писателей, в том числе Эрнеста Хемингуэя, сильно переоценена в истории литературы. А можете назвать таких писателей из русской литературы?
А.Н-Л — Я, например, не понимаю восторгов Набокова по поводу Андрея Белого. Да и восторгов по поводу самого Владимира Набокова тоже не разделяю. Мне кажется переоцененной советская классика – Горький, Шолохов, Твардовский, большая часть «деревенщиков». С другой стороны, мне не нравится либеральный культ Варлама Шаламова. Достойные писатели, но не самого первого ряда. Можете считать это моей маленькой личной идиосинкразией.
А.Х — А гениальность в принципе существует? Или это труд, помноженный на обыкновенный случай и успех? Думаю, если бы Лоза был современником великих русских писателей, то он все расставил бы по местам. И правда, иногда читаешь признанного всеми гения, чуть ли не мессию (не буду называть имен) и думаешь, а как так вышло, что тексты этого человека вошли в историю, стали для многих чуть ли не личной Библией…
А.Н-Л — Я бы различал понятия гения и гениального текста. Гений – это особый тип личности, очень странный, необычный человек, полусумасшедший. Как Хлебников, например, или Маяковский, или Хармс. Они производят впечатление одним своим видом. При этом гениальных произведений там почти нет. А может быть так, что человек – совсем нормальный, здоровый, обычный сосед по даче, обыватель. Как Афанасий Фет или Николай Заболоцкий – авторы многих гениальных стихотворений. Гениальность – это, конечно, дар Божий. Он может проявиться в результате долгой профессиональной работы – как у Булгакова, а может прийти без всякой подготовки – как в случае с Лермонтовым.
А.Х — Думаю, русская литература никогда не была столь независима и неконъюнктурна, как сейчас. Талантливый или просто продуктивный автор запросто может найти свою аудиторию через соцсети и даже зарабатывать на этом деньги. Если ты уж совсем никак не интересен, аудиторию можно купить, а там уже все зависит от того, насколько ты хороший пиарщик. Я так понимаю, что в эпоху Толстого и Чехова были те же методы, только технические приемы другие?
А.Н-Л — Пожалуй, не соглашусь. Современные писатели предельно несвободны – от своей аудитории, от законов книжного рынка, от принятых норм морали, от модных поветрий и литературных тенденций. Даже писатели-бунтари, которые с этим всем сознательно борются, на самом деле находятся от этого в зависимости. Другое дело, что в подлинном авторе всегда живет внутренняя свобода творчества, и даже будучи внешне зависимым, он все равно найдет способ дать выговориться этой свободе. Ну а то, что у писателя есть понятные способы своего продвижения – да, несомненно. Всегда так было: правильная женитьба, меценаты, обслуживание власти, участие в тусовке, профсоюзы и т.д. В условиях рынка в его распоряжении весь набор маркетинговых инструментов.
А.Х — Какую оценку дадут потомки нынешней литературе? Кажется, она не очень глубока. Сейчас в моде искренность, которая упрощает смысл текста. Сложно спрогнозировать, что именно будет в тренде в 2050 году, но, Юваль Ной Харари, пишет, что это будет эпоха духовных поисков. Получается, что люди вернутся к Достоевскому и Толстому?
А.Н-Л — Высокая литература фактически ушла с авансцены культуры. Сегодня это весьма маргинальное явление, а будет еще скромнее. Кстати говоря, это ее естественное состояние: только в XIX-XX веках литература что-то значила для большого числа людей, а до того она была уделом довольно небольших элитарных групп. Говорить о том, как будут воспринимать литературу через тридцать лет, мне трудно. Мы наблюдаем цивилизационный слом, который может похоронить под собой всю прежнюю культуру. Какой уж там Толстой с духовными поисками, если повседневной реальностью станет клонирование людей, включая умерших, и искусственный интеллект? Но, вообще говоря, современную тебе литературу обычно считаешь слабее предшествующей. Так было во все времена. Пушкин при жизни считался автором менее значительным, чем великие поэты XVIII века, которых мы сейчас и не вспомним. Два величайших прозаика XX века, Булгаков и Платонов, умерли, не подозревая о своем будущем статусе. Так что, я думаю, сегодня вполне могут работать авторы, которые будут считаться великими в будущем. В поэзии такие точно есть. Очень хочется назвать имена, но, увы, не могу – корпоративная этика не позволяет
Можно сказать, что отправной точкой в формировании балета, как самостоятельного направления в театральном искусстве в России, стало создание в 1738 году первой танцевальной школы Её Императорского Величества в Санкт-Петербурге, ныне Академия Русского балета им. А.Я. Вагановой. Но на самом деле подлинная история русского балета началась намного раньше.
Фото: belcanto.ru
И наша первая остановка — дохристианская Русь.
Согласно историку балета Ю.А.Бахрушину именно культурные традиции и устои древних славян определили, так сказать, характер и лицо будущего танцевального искусства в нашей стране. Он описывал это следующим образом. Славяне были крепко связаны с природой и землей, что выражалось и в их культурных традициях, быту и в системе верований. Дабы задобрить высшие силы, проводились различные обрядовые действа, которые обязательно включали в себя пляски. Помимо известных всем хороводов, исполнялись постановочные танцы, изображающие тот вид работ или деятельности, которую собирались начать. Например, посевные или уборочные работы, охота, военные походы. Символические пляски являлись частью праздников, в которых прославлялись будущие начинания и возносились почести покровителям. Таким образом, в сознание русского народа крепко вросло представление о неразрывности танца и символического образа. И это в далеком будущем приведет к формированию традиционной школы балета, где танец это не просто набор сложных па под музыку, а целая история сюжетов, переживаний и чувств, оживающих и «говорящих» через движение. Мы не станем останавливаться здесь надолго и наблюдать сложную историю падения, возражения и преобразования русского танца на фоне социальных и политических изменений, к тому же все эти перипетии не отразились на его сути, а сразу отправимся в 17-й век ко двору Алексея Михайловича Романова.
Фото: ural-ballet-school.ru
Как известно, Петр I, сын Алексея Михайловича, был главным реформатором и инициатором поворота на Запад.Но любовь к европейской культуре молодому императору привил отец.
Именно при Алексее Романове в России стали появляться европейские технические и культурные новинки. Одной из них и был театр. Первую театральную труппу выписали для царского двора из Европы. Представления прошли настолько хорошо, что было принято решение организовать свой театр. Так в историю русского балета было вписано первое имя — Николы Лимы.
Никола Лима был иностранным офицером на службе у русского царя. И специализация его была — инженерия. Но получив образование за рубежом, где в обязательную программу входили танцы, он оказался единственным человеком, кто смог бы обучить будущих артистов этому сценическому мастерству. Таким образом, офицер Никола Лима до своей смерти в конце 17 века прослужил бессменным руководителем балета при царском театре. Он был и постановщиком, и исполнителем главных партий.
А теперь о том, что по сути представлял собой балет в 17 веке. Это были классические танцы. То есть это определенные положения рук, ног, головы, тела, которые стремятся к геометрической точности. Если говорить совсем просто, то основные элементы известные нам на сегодня из академической хореографии: позиции ног с 1 по 5, батманы, пассе, плие — это и есть классический балет, зародившийся в Италии, и развившийся во Франции. Исполнялись первые танцы на высоких каблуках, в высоких париках и в светской одежде. То есть в достаточно громоздких костюмах. При этом исполняли все роли только мужчины. Стоит сказать, что вообще балет достаточно долго был исключительно мужским занятием. И такие представления не были самостоятельными, а являлись частью спектакля. Балеты, тогда они назывались выходы, а в России междусеньями, демонстрировались между актами основой постановки. И не были связаны логикой повествования, ни с сюжетом спектакля или оперы, ни с собственным костюмом или музыкальным сопровождением. Грубо говоря, в антракте выходили на сцену люди, которые выполняли различные сложные движения или застывали в разных позах под музыку. При этом считалось, что у этих выступлений есть сюжет и исполнители главных и второстепенных партий. Например, Никола Лима поставил балет «Орфей», который никак не был связан сюжетом со своим названием, костюмом и музыкой, а был посвящен прославлению царя, как покровителя искусства. Таким был весь мировой, в том числе и русский, балет вплоть до второй половины 18 века. Надо отметить, что такие танцы не пришлись по вкусу широкому кругу царского двора. И со сменой правителя сценические танцы и театр канули в лету.
Фото: rusnardom.ru
Вторую попытку привить балет в России предпринял Петр I.
При царе Алексее театр был исключительно развлекательным. И доступен был только придворным. Император же решил иначе использовать этот вид искусства — в качестве подготовки городского населения к задуманным реформам. Был даже построен общественно доступный театр в Москве на месте нынешнего Исторического музея. Обходя все подробности — ничего не вышло.
Всё, что получилось у Петра — принудить высший свет к балам, менуэтам и контрдансам, которые походили на сценические танцы, но были проще, народ же заставить ходить в театр не удалось. Все дело в том, что бездушные, схематичные и помпезные танцы были русскому народу не по душе и, видимо, даже враждебны. Все эти попытки в итоге не сыграли какой-либо роли в создании балета в России, но стали важными предпосылками для этого.
И вот мы добрались до 1731 года и второго имени в русском балете. В этом году в Петербурге открылся сухопутный Шляхетный кадетский корпус, где по европейской манере будущих офицеров обучали, в том числе, и танцам. Танцмейстером училища был Жан-Батист Ларде. Уровень его школы танца был настолько высок, что европейские театральные труппы, гастролируя в России, набирали кордебалет из числа будущих офицеров, учеников Ларде. Но здесь была проблема. Окончив полный курс слушания, молодые офицеры, соответственно, отправлялись расти по профессиональной линии. И балет для них заканчивался. Отсюда и возникла необходимость профессионального училища для будущих танцоров, которое и было создано семью годами позже. Здесь и начинается восхождение русского балета. Почему вышло именно так? Потому что к середине 18 века, благодаря Петру I, высший свет привык к балам. Таким образом, появление балетного театра, и его развитие стало совершенно естественным продолжением к привычке танцевать.
Фото: culture.ru
Надо отметить, что развитие балетного ремесла шло сложно, даже тяжело.
Технически всё было замечательно. Ларде оказался настолько талантлив и пластичен, что смог совместно со своими учениками создать совершенно новый по своему содержанию танец, объединив классический европейский балет с танцем художественным, то есть с той самой самобытной национальной русской пляской — это и станет визитной карточкой русского балета на века. К 19 веку произойдут изменения и в мировом балете. Сценический танец станет самостоятельным видом театрального искусства, в нем появится драматизм. Интеграция народных, характерных танцев в классический балет начнёт происходить повсеместно. Но, а пока иностранные балетмейстеры и русские танцоры создают свою уникальную школу, кстати, открывшую свои двери и для девочек, и борются за признание общественности. Именно здесь и оказалась главная сложность. Русская публика благодарно и с почестями принимала артистов иностранцев, но совершенно не воспринимала всерьез соотечественников. В артисты не шли представители дворянских сословий, так как танцевать на сцене было неприлично, поэтому в училище набирали из простого народа. Театр же при этом оставался доступным только высшему свету. А как может знать чествовать простолюдина? В итоге, в русском театре царила дискриминация на почве происхождения. При равном таланте иностранный артист получал почет и высокий гонорар, а русский — снисхождение и нищенское существование. Такое положение вещей в целом сохранилось вплоть до 20 века, хотя и не в столько жесткой форме, как изначально. И у 18 века есть свои знаковые имена среди артистов. А к середине 19 столетия известными русскими поэтами воспевались уже только артистки балета. Особенно балерин любил А.С. Пушкин. Хотя балет рос и развивался, открывались театры в Москве и Петербурге, даже создавались частные крепостные театральные труппы, осуждение и предвзятость по отношению к профессии танцовщика все равно сохранялись. Пожалуй, только после революции быть артистом стало не стыдно. Пока сменяются правители, идут реформы, балет движется к своему следующему важному витку в развитии.
Фото: culture-art.ru
В начале 19 века происходит разделение театра на драматический и музыкальный, а музыкального на оперный и балетный.
И появляется ещё одна знаковая фигура — Карл Дидло. Дидло “переодел” и “переобул” своих артистов. В общем-то, классический балетный костюм, к которому мы привыкли, родился именно в этот период. После облегчения костюма стало видно каждое движение артиста, что привело к необходимости оттачивать технику и совершенствовать танец. Также произошло перераспределение ролей. Несмотря на то, что в афишах мужские имена в названиях спектаклей стояли на первых местах, на сцене все изменилось. Танцор стал “подставкой” для нимфы. И главную роль постепенно заняла балерина — волшебное создание, сотканное из воздуха и звездной пыли. Это не живая женщина, это мираж, полупрозрачная, звенящая, несбыточная мечта. Такая тенденция сохранится до появления на сцене в начале 20 века Вацлава Нижинского, который затмил всех, и вернул танцорам главные роли. А в 19-м столетии все идет своим чередом, и к концу века к балетным постановкам начинают писать музыку известные композиторы: П.И. Чайковский, С.С. Прокофьев, А.К. Глазунов. И на свет появляются шедевры русского балета: «Щелкунчик», «Спящая красавица», «Лебединое озеро», «Ромео и Джульетта».
Фото: сulture.ru
Пожалуй, триумфом сценического танца в России стали русские сезоны Сергея Дягилева в Европе. Театральная антреприза за границей продолжалась до начала Первой мировой войны в 1914 году. После октябрьской революции многие артисты Императорского театра эмигрировали, организовав свои труппы в Европе. Имена Матильды Кшесинской и Анны Павловой известны и сегодня наряду с Рудольфом Нуриевым, Михаилом Барышниковым, Майей Плисецкой, Светланой Захаровой. Так русский балет стал визитной карточкой нашей страны, а его техники танца, артисты и спектакли признаными во всем мире.
Революция не смогла остановить развития балетного театра в России. Первое время большевики пытались использовать, как и Петр I, балет для продвижения идеологии в массы. Даже впустили в страну американскую танцовщицу Айседору Дункан, поддерживающую коммунистическую идеологию. Увы, школа современного танца под её руководством, как и идеологический красный балет просуществовали недолго. И на сцену постепенно вернулся классический репертуар конца 19 века. В Советском Союзе были новые постановки, поддерживающие идеи коммунизма и социализма. Например, балет «Спартак» про борьбу рабов против элиты в Древнем Риме. Совершенно ясно же на борьбу кого с кем намекали авторы балета. Так что можно говорить о том, что всё-таки советским постановщикам удалось преподнести пропаганду в более художественной форме, нежели их коллегам на заре советского государства.
Знаковым именем в советском и затем российском балете стало имя Юрия Григоровича. Он создал огромное количество оригинальных спектаклей, отредактировал все классические постановки, а некоторые из них переделал полностью, например, «Щелкунчика».
Фото: russkiymir.ru
Русский балет пережил царский строй, советский режим и не остановил своего развития в современной России. Сегодня классические постановки Григоровича прекрасно соседствуют с современными спектаклями, такими как «Все пути ведут на север» или «Эрос» и «Минос», «Ундина».
Как и у своих истоков, балет продолжает трансформироваться вместе с социальным и культурным сознанием общества, преломляя и отражая его в своей уникальной форме.
Всего лишь месяц остался у тех, кто не успел побывать на выставке «Свободный полет» в Новой Третьяковке
На новой площадке под названием Западное крыло (бывший ЦДХ) совместно с Музеем AZ освоен грандиозный проект, рассказывающий о несомненных ассоциативных связях Андрея Тарковского и неофициальных художников 1960-1980-х. О тяжелой доле нонконформистов в СССР, переживших разгром выставки авангардистов в декабре 1962-го, а также печально знаменитую «бульдозерную выставку» в 1974-ом, всем известно. Огромная землеройка в качестве памятника тем событиям возвышается перед входом в Третьяковку, правда, разукрашена детскими рисунками, — времена изменились. Как в этих временах воспринимается творчество художников, для которых оттепель закончилась с «бульдозерной» выставкой, и рассказывает экспозиция. Большинству пришлось эмигрировать, а оставшиеся в Союзе пережили немало репрессий.
Фото: предоставлены пресс-службой Музея AZ
Но в центре «Свободного полета», по замыслу продюсера проекта, гендиректора Музея AZ Наталии Опалевой и автора и куратора проекта Полины Лобачевской, Андрей Тарковский, которого сам Бергман называл «самым великим из всех». На выставке, раскинувшейся на трех с половиной тысячах квадратных метров, представлены три шедевра Тарковского – «Андрей Рублев», «Сталкер», «Солярис». Состоит выставка из трех частей, и в каждой Тарковский накрепко спаян с творчеством художников, с которыми даже не был знаком.
Части эти являлись зрителям постепенно – в 2016 году в «Электротеатре» показали экспозицию «Предвидение», в которой фильм «Сталкер» сообщался с работами Петра Беленка. Год спустя в Новом Пространстве Театра Наций на выставке «Прорыв в прошлое. Тарковский & Плавинский», посвященной 50-летию фильма «Андрей Рублев», 85-летию режиссера и 80-летию художника зрители получили настоящий культурный шок, так необычно все было сделано. А в прошлом году по приглашению Франко Дзеффирелли Музей AZ показал во Флоренции и Милане две версии «Нового полета на Солярис», где в унисон звучали кадры из фантастического фильма и живопись нонконформистов, которых искусствоведы называют «вторым авангардом», а в музее нарекли «советским Ренессансом».
Страсти по Андрею
Именно «Прорыв в прошлое» вводит зрителей в пространство «Свободного полета». Едва вы вступаете в полуосвещенный круг, как прямо на вас с экрана выезжает кинокамера с двумя фигурами по бокам. Андрей Тарковский и оператор Вадим Юсов. Впечатление, что они даже пошевеливаются и сейчас начнут отдавать команды массовке. Еще один экран посвящен прологу с полетом над землей. Человек забирается на храм и летит на чем-то похожем на воздушный шар. Тот самый свободный полет. В сущности, если вдуматься, «Андрей Рублев» снят о художнике, который испытывает чувство полета, ощущая свою связь с Богом и отрываясь от всего земного.
А дальше ваш путь лежит среди восьми больших экранов, расположенных под углами друг к другу. На каждом покажут часть фильма, но не отрывок, а кульминацию сцены, которая незаметно перейдет в рабочий момент. К каждой части подобраны фотографии со съемочной площадки, из них сделан маленький фильм, который погрузит вас в пространство картины и рабочий процесс. Иконостас из восьми фигур основных персонажей. Большие фотографии Тарковского — с его изречениями: эффект присутствия мастера в одном с вами пространстве неоспорим.
Самые печальные экспонаты – вести с худсоветов, на которых чиновники рассказывали Тарковскому, как «улучшить» фильм. Ответом – написанная его рукой фраза – «Нет слов, чтобы выразить то чувство затравленности и безысходности, причиной которого явился этот нелепый список поправок, призванный разрушить все то, что мы создали». О том, каким «бульдозером» ездили по фильму, доведя молодого режиссера до инфаркта, всем тоже известно. Фильм купили в Америке и Европе. на Каннском фестивале он получил приз ФИПРЕССИ. В СССР прокатное удостоверение выдали лишь в 1971-м: 300 копий (обычно от 1200 до 2000) – шла картина в окраинных кинотеатрах.
Встреча человека с океаном
Когда Андрей Тарковский снимал свой фильм — в Пскове, Изборске, Владимире, примерно в этих местах Дмитрий Плавинский, сбивая замки с разрушенных храмов, копировал остатки росписей и икон, делал наброски. Позднее все они стали картинами. Рассказывая об этих путешествиях, художник говорил, что только в этих городах — с безликими центрами, разрушенными церквями и покосившимися кладбищами «видит лик души народа». И продолжал – «Самое большое наполнение человеку дает прошлое, потому что оно возвратное». Прорываясь сквозь это прошлое, говорил о будущем. Знаменитый офорт Плавинского «Плащаница», можно сказать, такая же программная вещь для художника, как «Андрей Рублев» для Тарковского. Легко представляю этих людей сошедшимися в беседе.
Направление, в котором работал, художник называл «структурным символизмом», и в каждой его работе найдете знаки, которые символизируют встречу человеческой цивилизации (арабские цифры и латинские буквы) с мировым океаном (рыбки, ракушки, аммониты, куски сетей, косточки). Возьмите «Отпечаток памяти» из коллекции музея AZ: если эту картину, образно говоря, «распечатать», получим обращение в вечность, а, значит, и к нам самим. Исследуя в своих картинах строение листа, рог носорога или панцирь черепахи, художник всегда говорит о мироздании.
Вестники
«Предвидение» — вторая часть выставки – в который раз подтверждает, какими вестниками могут быть художники. Тарковский снял своего «Сталкера» — прямое предсказание возникновения Зоны — в 1979-ом, а Петр Беленок, уроженец чернобыльских мест, скульптор, в 70-х в Москве за кусок хлеба лепил «ильичей» и бесконечно рисовал одну и ту же серию черно-белых картин в стиле «панического реализма». Маленькие человеческие фигурки в ужасе куда-то бегут, спасаясь от взрывов стихии. Совпадение? Вряд ли. До чернобыльской катастрофы оставалось восемь лет. Реальность ее в «Предвидении» показала фоторепортер Виктория Ивлева, которая в 1990 году вошла в зону разрушенного реактора и сделала серию фотографий. Награждена премией World Press Photo.
«Новый полет на Солярис» пригласит вас на космическую станцию – с видеоинсталляцией Платона Инфанте в центре и многократно увеличенной на экране картиной Брейгеля «Охотники на снегу». Чтобы не растеряться, важно вспомнить финальные кадры «Соляриса», в которых на вас надвигались артефакты из ковчега мировой культуры, отправленные Тарковским в космос. Книга Доре с иллюстрациями «Дон-Кихота», посмертная маска Пушкина, Венера Милосская, старинные средневековые офорты, шесть картин Брейгеля… Устроители выставки, и, прежде всего, художник-постановщик Геннадий Синев и медиахудожник Александр Долгин (к сожалению, до открытия не доживший), отправляют в космос ковчег с новыми артефактами. Это фильмы Андрея Арсеньевича и 12 его коллег – от Феллини до Ларса фон Триера, давших оценку его творчеству, а также картины 12 нонконформистов, среди которых главный герой музея Анатолий Зверев, а также Франциско Инфанте, Дмитрий Плавинский, Петр Беленок, Юло Соостер, Дмитрий Краснопевцев, Лидия Мастеркова, Владимир Яковлев, Владимир Немухин, Владимир Янкилевский, Олег Целков.
Будьте предельно внимательны, передвигаясь по сверкающему коридору станции, ведь нужно рассмотреть картины не только на стенах, но и – ожившие — в иллюминаторах. А в последнем зале задержитесь перед экраном с Брейгелем. Связь времен просто осязаема.
Сербия намерена передать России картины Николая Рериха в обмен на возвращение в Белград древнейшего сербского памятника письменности — листа номер 166 Мирославова Евангелия — уже до конца 2019 года, сообщили в пресс-службе Министерства культуры и массовых коммуникаций Сербии по итогам переговоров министра Владана Вукосавлевича и посла России Александра Боцан-Харченко.
«Министр Вукосавлевич и посол Боцан-Харченко согласились, что соглашение о передаче, которое определяет условия обмена листа Мирославова Евангелия и картин Николая Рериха, представляет важный культурный интерес для обеих стран и необходимо, чтобы документ как можно скорее получил свой окончательный вид. Было предложено, что обе стороны сделают все возможное, чтобы обмен был реализован до конца этого года», — отметили в пресс-службе ведомства.
фото: sibro.ru
Министр и посол также обсудили необходимость активизации деятельности Форума славянских культур и открытие Сербского культурного центра в Москве, соглашение о котором будет подписано в ходе одного из визитов российских официальных лиц в Сербию. Кроме того, Вукосавлевич поблагодарил Россию за поддержку в сохранении сербского культурного наследия в Косове и Метохии.
Древняя кириллическая рукопись Мирославово Евангелие, написанная около 1180 года, имеет важнейшее значение для Белграда: с недавнего времени на его копии дают клятву вступающие в должность президенты Сербии. Оригинал памятника хранится в Национальном музее Сербии в Белграде, однако одна его страница с 1845 года находится в России, куда ее вывез архимандрит Порфирий (Успенский), нашедший рукопись в афонском монастыре Хиландар.
фото: interessant.ru / Максим Константинов
Семь картин Рериха — «Бургустан. Кавказ» (1913), «Звоны» (1919, картина известна также под названием «Благовест»), «Благие посетившие» (1923, известна и под названием «Святые гости»), «Берендеи. Деревня» (1921, также известна под названием «Деревня Берендея»), «Преподобный Сергий Радонежский» (1922), эскизы костюмов к опере Римского-Корсакова «Снегурочка» (созданы в 1921 году) — были привезены в Сербию на выставку до начала Второй мировой войны. После нападения нацистской Германии на Югославию в апреле 1941 года их судьба была неизвестна, и только в марте 2017-го работы удалось обнаружить в собрании Национального музея Сербии.
